Картина в картине – Картина в картине

Содержание

Почему в «Сиянии» Кубрика так много живописи? — Статьи на КиноПоиске

«Лошадь и поезд», «Луна и корова», «Сверхъестественная мечта» и другие полотна, репродукции и фотоработы, которые можно заметить в знаменитом фильме ужасов.

Этим материалом КиноПоиск открывает новую рубрику «Картины в картине». В ее рамках мы будем рассказывать о скрытых и явных значениях произведений живописи, которые встречаются в кадрах известных фильмов.

В лентах Стэнли Кубрика столько деталей, что их сбору и изучению киноманы посвящают целые исследования, пытаясь отыскать зашифрованные смыслы и знаки. Одно из самых таинственных кинопространств Кубрик создал в «Сиянии». На стенах отеля «Оверлук», в домах семейства Торренс и шеф-повара Дика Хэллорана режиссер повесил огромное количество картин и фотографий. Распознать их все не удается по сей день, но КиноПоиск всмотрелся и составил самый полный путеводитель по репродукциям культового фильма.

1. Алекс Колвилл, «Женщина и терьер», 1963

«Сияние»

Джек звонит жене с радостной вестью: он получил работу зимнего сторожа в отеле «Оверлук». Картина канадского художника Алекса Колвилла висит над телевизором, ее нижняя часть перекрыта книгами.

«Женщина и терьер»

Это первое появление в фильме репродукции Колвилла, впрочем, далеко не единственное. Уже после смерти художника в 2003 году его сын Грэм сказал: «Я был немало удивлен, когда посмотрел „Сияние“ Стэнли Кубрика и увидел картины моего отца на заднем плане во многих сценах. Они были вживлены в этот фильм почти как подсознательные сообщения».

2. Алекс Колвилл, «Лошадь и поезд», 1954

«Сияние»

Венди показала сына детскому врачу. После осмотра они направляются в гостиную, чтобы поговорить наедине. Картина «Лошадь и поезд» висит в коридоре, она попадает в кадр буквально на секунду.

«Лошадь и поезд»

Одно из самых известных и экспрессивных произведений Колвилла, которое Кубрик не дает рассмотреть зрителю подробно. На написание картины художника вдохновили строки южноафриканского поэта Роя Кемпбелла: «Против полка я выдвигаю свой мозг / И темную лошадь — против бронепоезда». Очевидно, что режиссер проводит параллель между сюжетом картины и сюжетом фильма: решение о заселении в «Оверлук» уже принято, и столкновение со злом неминуемо.

3. Алекс Колвилл, «Мальчик, собака и река Сент-Джонс», 1958

«Сияние»

Дэнни впервые заглядывает в комнату № 237 и видит эту картину — ее нижняя часть скрыта абажуром. Более того, Дэнни, как и зритель, смотрит на репродукцию в зеркальном отражении.

«Мальчик, собака и река Сент-Джонс»

И вновь прослеживается параллель между картиной и фильмом: в обоих сюжетах присутствуют мальчики. И тот, и другой сталкивается с чем-то тревожным и зловещим. Сам художник говорил об этом так: «Я вижу, как опасна жизнь. У меня, в сущности, мрачный взгляд на мир и человеческие дела… Тревога является нормой нашей эпохи». Нормой она оказывается и для отеля «Оверлук», где Кубрик нашел место для еще одной репродукции канадского художника.

4. Алекс Колвилл, «Луна и корова», 1963

«Сияние»

Вооружившись ножом, Венди бродит по отелю в поисках сына, за которым гонится Джек. На лестнице висит работа «Луна и корова». Тень героини проскальзывает по полотну.

«Луна и корова»

Искусствоведы отмечают, что картины Колвилла реалистичны, но абсолютно лишены натурализма. Его герои могут двигаться, но выглядеть при этом статично: они напряжены, таинственны и мертвенны.

«Сияние»

Постер висит в комнате шеф-повара отеля Дика Хэллорана. В новостях рассказывают о погодной аномалии в Колорадо.

«Сверхъестественная мечта»

Это фото было сделано в начале 1970-х для самого обычного календаря, в котором женщины примеряли на себя разные роли — школьной учительницы, футболистки или туземки. В случае со снимком «Сверхъестественная мечта» подразумевалась игра слов: «supernatural» отсылало к шикарной и натуральной прическе модели. Кстати, Джохари не только фотомодель, но и актриса. В 1976 году она снялась в фильме Джона Кассаветиса «Убийство китайского букмекера».

6. Норваль Мориссо, «Великая мать-земля», 1976

«Сияние»

Картины индейского художника Норваля Мориссо появляются в фильме дважды. В начале «Сияния», когда Джек заходит в кабинет управляющего отелем мистера Ульмана, зрительский взгляд притягивает это яркое полотно.

«Великая мать-земля»

Дед Норваля Мориссо был индейском шаманом и передал ему знания о традициях своего народа, которые впоследствии стали основой созданного им художественного стиля «вудленд». Вудленд — это рассказ о странствующих душах живых существ, а корни его уходят в наскальные изображения, легенды и мифы североамериканских индейцев. Сам Мориссо называет свои работы иконами: «Они разговаривают со зрителем. Помогают ему сфокусироваться на мистических силах. Генерируют самобытный дух и мудрость индейцев».

7. Норваль Мориссо, «Стая гагар», 1977

«Сияние»

Раненый Джек гонится за Дэнни. Картина висит при выходе из отеля.

«Стая гагар»

Появление в фильме живописи Мориссо вполне объяснимо, ведь культура коренных жителей северной Америки неотделима от пространства «Оверлука». В зале «Колорадо» можно заметить различные артефакты племен навахо и апачей, ковры с индейскими узорами, а в кладовой можно увидеть банки питьевой соды, на которых изображена голова индейца. Яркие, полные цвета и в то же время наполненные аутентичным мистицизмом изображения Мориссо идеально подыгрывают главной теме фильма — путешествие человеческих душ внутри отеля, построенного на месте старого индейского кладбища.

8. Пол Пил, «После купания», 1890

«Сияние»

Венди и Дэнни (а может, уже Тони?) смотрят мультики в своих апартаментах. На заднем плане можно разглядеть картину канадского художника Пола Пила.

«После купания»

В пантеоне канадских художников, к которым в своем фильме обращается Кубрик, Пол Пил является самым ранним автором. Он же отвечает за академический стиль в антураже отеля «Оверлук». Считается, что Пил одним из первых в своей стране изобразил обнаженную натуру, в том числе и детскую. А за картину «После купания» в 1890 году художник был удостоен медали на Парижском салоне.

9. Фредерик Варли, «Штормовая погода, Джорджиан-Бей», 1921

«Сияние»

Джек подходит к макету лабиринта в холле отеля. Картина Варли висит на стене.

«Штормовая погода, Джорджиан-Бей»

Еще один канадский живописец, чьи картины украсили стены «Оверлука». В 1920-е годы Варли состоял в художественном объединении «Группа семи», которое совершенно по-новому осмыслило аутентичный канадский пейзаж. На смену заимствованной европейской техники пришла собственная — грубоватые, резкие и энергичные мазки, которые как нельзя лучше соответствовали характеру местной природы.

10. Александр Янг Джексон, «Красный клен», 1914

«Сияние»

Джек идет по коридору. Перед картиной «Красный клен» его шаг и движение камеры замедляются.

«Красный клен»

Александр Джексон также состоял в объединении «Группа семи». В Первую мировую он был одним из официальных военных художников, что не могло не отразится на его палитре. Яркие цвета и особая текстура выделяли его среди других местных живописцев. Одной из особенностей художника было выделение хрупкого предмета на фоне суровой канадской природы. Тревожная гамма «Красного клена» стала еще одним цветовым акцентом в пространстве фильма, где красный приобретал особо зловещую символику.

11. Джеймс Эдуард Херви Макдональд, «Туман», 1922

«Сияние»

Слева от картины Джексона Кубрик расположил еще одну репродукцию художника из «Группы семи».

«Туман»

Как и другие художники «Группы семи», Макдональд много путешествовал, изучая особенности северной природы. Под влиянием поэзии Уолта Уитмена художник избрал главной темой своего творчества взаимосвязь человека и природы. Объединив картины Джексона и Макдональда в одном кадре, Кубрик провел явную параллель между течением реки и плывущим туманом. Посреди двух потоков и стоит Джек.

12. Фотография с вечеринки 1921 года

Нельзя забыть и о культовой фотографии, появляющейся в финале «Сияния» в холле отеля «Оверлук».

Карточка с вечеринки 1921 года подлинная, однако Кубрик внес в нее одно изменение — добавил голову Джека Николсона к телу другого человека. Первоначально режиссер планировал снять групповой портрет специально для фильма, но снимок из того времени (на самом деле это фото 1923 года) показался ему гораздо убедительнее. Для Кубрика, фотографа по первой профессии, не составило труда отснять Джека с нужных ракурсов и в необходимом для дальнейших манипуляций освещении. По мнению режиссера, фотомонтаж выглядел совершенным и помог передать лица и архетипы 1920-х годов.

Зачем нужно столько картин?

Вне всяких сомнений, картины, принадлежащие к разным эпохам и направлениям, Кубрик объединяет в «Сиянии» не случайно. Чтобы приблизиться к пониманию их смысловой роли, стоит обратить внимание еще на одну особенность: как и многие другие предметы в фильме, репродукции мерцают — то появляются, то перемещаются, а то исчезают из пространства.

«Сияние»

И через кадр (изголовье кровати).

Эти метаморфозы можно было бы списать на самые обычные киноляпы, если бы Кубрик не акцентировал на них внимание в определенных сценах, возводя в статус некоего художественного закона.

«Сияние»

Картины на заднем плане исчезают при появлении гостя. А вот стеклянный шкаф и батарея меняются местами, словно находятся в зеркальном отражении.

«Сияние»

То же самое касается картин Макдональда и Джексона, речь о которых уже шла выше. В одной из финальных сцен можно заметить, что репродукция «Тумана» все еще висит слева от гобелена.

«Сияние»

Появление окровавленного гостя с бокалом меняет местами картины позади Венди. Гобелен исчезает. Шкаф с батареей вновь перемещаются, таинственным образом оказываясь позади героини.

«Сияние»

Таким образом, в киномире «Сияния» пространство и время предстают как абсолютно условные константы. По мере развития истории Кубрик все больше играет с ними, а многочисленные изображения на стенах оказываются не только эмоциональными штрихами, но и важными приметами этой игры. Академист Пил Пол, «Группа семи» или современник Кубрика Алекс Колвилл больше не разорваны эпохами и стилями, они сосуществуют в ленте на равных, одновременно и по воле режиссера. Впрочем, как и Джек, нелегально посетивший бал аж в 1921 году.

«Сияние»

Фильм «Сияние» на большом экране можно будет увидеть 16 августа в 21:00 в московском летнем кинотеатре Garage Screen.

www.kinopoisk.ru

20 самых странных картин в мировой живописи

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939.

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка.

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник: adme.

cameralabs.org

35 тайн знаменитых картин

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах


Иероним Босх, «Сад земных наслаждений», 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала «песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет».

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая «Джоконда» существует в двух вариантах: обнаженная версия называется «Монна Ванна», ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?


Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так — в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два «Завтрака на траве»


Эдуард Мане, «Завтрак на траве», 1863.


Клод Моне, «Завтрак на траве», 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на «Тайной вечере»


Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

«Ночной дозор» или «Дневной»?


Рембрандт, «Ночной дозор», 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.

Перевернутая лодка


Анри Матисс, «Лодка», 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус — это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете


Винсент ван Гог, «Автопортрет с трубкой», 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника — Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки


Иван Шишкин, «Утро в Сосновом лесу», 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история «Готики»


Грант Вуд, «Американская готика», 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина «Фигура у окна» написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал «порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие». Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года «Сальвадор Дали глазами сестры» она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина «Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия». Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с «Фигурой у окна». Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная


Рембрандт Харменс ван Рейн, «Даная», 1636 — 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога


Винсент Ван Гог, «Спальня в Арле», 1888 — 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку — средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство


Леонардо да Винчи, «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», 1503 — 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза — совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, — считает эксперт. — Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле


Павел Федотов, «Сватовство майора», 1848.

Публика, впервые увидевшая картину «Сватовство майора», смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена


Фердинан Виктор Эжен Делакруа, «Свобода на баррикадах», 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки — прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат


Казимир Малевич, «Черный супрематический квадрат», 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы


Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр», 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни


Поль Гоген, «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?», 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно «читается» не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине


Питер Брейгель — старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель — старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства


Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина


Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки


Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение — отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды — он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение


Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой… И тут художника осенило — вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка


© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» — это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть — «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть — «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть — «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры


Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело


Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога


Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали


Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк


Эдвард Мунк, «Крик», 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу». Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея «Крика» родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау — настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис — один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе


Александр Иванов, «Явление Христа народу», 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов «уже давно умер для всего мира, кроме своей работы».

Подагра Микеланджело


Рафаэль Санти, «Афинская школа», 1511.

Создавая знаменитую фреску «Афинская школа», Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти «в роли» Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини


Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини», 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них — ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант


Рембрандт Харменс ван Рейн, «Автопортрет в возрасте 63», 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется «стереослепота» — неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера


Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482-1486.

До появления «Рождения Венеры» изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление — аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?


Микеланджело Меризи да Караваджо, «Лютнист», 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор — это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Смотрите также:

cameralabs.org

Как Айвазовский создавал свои картины и как правильно смотреть, чтобы насладиться его шедеврами в полной мере

За счет чего море Айвазовского такое живое, дышащее и прозрачное? Что является осью любой его картины? Куда нам смотреть, чтобы насладиться его шедеврами в полной мере? Как он писал: долго ли, коротко ли, радостно или мучительно? И какое отношение к Айвазовскому имеет импрессионизм?

Конечно, Иван Константинович Айвазовский родился гением. Но было еще ремесло, которым он владел блестяще и в тонкостях которого хочется разобраться. Итак, из чего же рождались морская пена и лунные дорожки Айвазовского?


Иван Константинович Айвазовский. Буря у скалистых берегов. 

«Секретные краски», волна Айвазовского, лессировка

Иван Крамской писал Павлу Третьякову: «Айвазовский, вероятно, обладает секретом составления красок, и даже краски сами секретные; таких ярких и чистых тонов я не видел даже на полках москательных лавок». Некоторые секреты Айвазовского дошли до нас, хотя главный вовсе не тайна: чтобы так писать море, нужно родиться у моря, прожить подле него долгую жизнь, за которую так и не пресытиться им.

Знаменитая «волна Айвазовского» представляет собой вспенившуюся, почти прозрачную морскую волну, по ощущениям — движущуюся, стремительную, живую. Прозрачности художник достигал, используя технику лессировки, то есть нанося тончайшие слои краски друг на друга. Айвазовский предпочитал масло, но нередко его волны кажутся акварельными. Именно в результате лессировки изображение приобретает эту прозрачность, причем цвета кажутся очень насыщенными, но не за счет плотности мазка, а за счет особой глубины и тонкости. Виртуозная лессировка в исполнении Айвазовского — отрада для коллекционеров: большинство его картин в прекрасном состоянии — тончайшие красочные слои меньше подвержены растрескиванию.

Писал Айвазовский стремительно, часто создавал работы за один сеанс, поэтому у его техники лессировки были авторские нюансы. Вот что пишет об этом Николай Барсамов, многолетний директор Феодосийской картинной галереи и крупнейший знаток творчества Айвазовского: «…воду он иногда лессировал по полусухому подмалевку. Часто художник лессировал волны у их основания, чем придавал глубину и силу красочному тону и достигал эффекта прозрачной волны. Иногда лессировками утемнялись значительные плоскости картины. Но лессировка в живописи Айвазовского не была обязательным последним этапом работы, как это было у старых мастеров при трехслойном методе живописи. Вся живопись у него в основном проводилась в один прием, и лессировка часто применялась им как один из способов наложения красочного слоя на белый грунт при начале работы, а не только как завершающие прописки в конце работы. Лессировкой художник иногда пользовался на первом этапе работы, покрывая полупрозрачным слоем краски значительные плоскости картины и используя при этом белый грунт холста как светящуюся подкладку. Так иногда писал он воду. Умело распределяя красочный слой различной плотности по холсту, Айвазовский достигал правдивой передачи прозрачности воды».

К лессировкам Айвазовский обращался не только при работе над волнами и облаками, с их помощью он умел вдохнуть жизнь и в сушу. «Землю и камни Айвазовский писал грубыми щетинистыми кистями. Возможно, что он их специально подрезывал, чтобы жесткие концы щетины оставляли борозды на красочном слое, — рассказывает искусствовед Барсамов. — Краска в этих местах обычно положена плотным слоем. Как правило, Айвазовский почти всегда лессировал землю. Лессировочный (более темный) тон, попадая в борозды от щетины, придавал своеобразную живость красочному слою и большую реальность изображенной форме».

Что же до вопроса «откуда краски?», известно, что в последние годы он покупал краски берлинской фирмы «Mеwes». Все просто. Но имеется еще и легенда: будто бы Айвазовский покупал краски у Тёрнера. На этот счет можно сказать только одно: теоретически это возможно, но даже если так — Айвазовский точно не написал тёрнеровскими красками все 6 000 своих работ. И ту картину, которой впечатленный Тёрнер посвятил стихотворение, Айвазовский создал еще до знакомства с великим британским маринистом.

Иван Константинович Айвазовский. Неаполитанский залив в лунную ночь. 

«На картине твоей вижу луну с ее золотом и серебром, стоящую над морем, в нем отражающуюся. Поверхность моря, на которую легкий ветерок нагоняет трепетную зыбь, кажется полем искорок. Прости мне, великий художник, если я ошибся, приняв картину за действительность, но работа твоя очаровала меня, и восторг овладел мною. Искусство твое вечно и могущественно, потому что тебя вдохновляет гений», — стихотворения Уильяма Тёрнера о картине Айвазовского «Неаполитанский залив в лунную ночь».


Иван Константинович Айвазовский. Среди волн.

Главное – начать, или В темпе Айвазовского

Айвазовский всегда начинал работу с изображения неба, причем писал его в один приём — это могли быть и 10 минут, и 6 часов. Свет в небе он рисовал не боковой поверхностью кисти, а ее торцом, то есть «освещал» небо многочисленными быстрыми прикосновениями кисти. Небо готово — можно отдохнуть, отвлечься (впрочем, такое он позволял себе только с картинами, на которые уходило достаточно много времени). Море же мог писать и в несколько заходов.

Долго работать над картиной в представлении Ивана Айвазовского — это, к примеру, писать одно полотно 10 дней. Именно столько понадобилось художнику, которому на тот момент исполнился 81 год, чтобы создать свою самую большую картину — «Среди волн». При этом, по его признанию, вся его жизнь была подготовкой к этой картине. То есть работа потребовала максимум усилий от художника — и целых десять дней. А ведь в истории искусства не редкость случаи, когда картины писались по двадцать и более лет (например, Федор Бруни писал своего «Медного змия» 14 лет, начал в 1827-м, а закончил в 1841-м).

В Италии Айвазовский в определенный период сошелся с Александром Ивановым, тем самым, который писал «Явление Христа народу» 20 лет, с 1837-го по 1857-й. Они даже пытались вместе работать, но довольно скоро повздорили. Иванов мог месяцами трудиться над этюдом, пытаясь добиться особой точности тополиного листочка, Айвазовский же успевал за это время исходить все окрестности и написать несколько картин: «Писать тихо, корпеть месяцы не могу. Не отхожу от картины, пока не выскажусь». Столь разные таланты, разные способы творить — каторжный труд и радостное любование жизнью — не могли долго держаться рядом.


Иван Айвазовский рядом со своей картиной, фотография 1898 года.


Айвазовский у мольберта.

«Обстановка мастерской отличалась исключительной простотой. Перед мольбертом стоял простой стул с плетеным камышовым сиденьем, спинка которого была залеплена довольно толстым слоем краски, так как Айвазовский имел привычку закидывать руку с кистью за спинку стула и, сидя в пол-оборота к картине, оглядывать ее», — из воспоминаний Константина Арцеулова, этот внук Айвазовского тоже стал художником.

Творчество как радость

Муза Айвазовского (извините нам эту высокопарность) — радостна, а не мучительна. «По легкости, видимой непринужденности движения руки, по довольному выражению лица, можно было смело сказать, что такой труд — истинное наслаждение», — это впечатления чиновника Министерства императорского двора, литератора Василия Кривенко, наблюдавшего за тем, как Айвазовский работает.

Айвазовский, безусловно, видел, что для многих художников их дар — то ли благословенье, то ли проклятье, иные картины пишутся едва ли не кровью, истощая и выматывая своего создателя. Для него же подходить с кистью к холсту всегда было самой большой радостью и счастьем, он обретал особую легкость и всемогущество в своей мастерской. При этом Айвазовский внимательно прислушивался к дельным советам, не отмахивался от замечаний людей, которых ценил и уважал. Хотя не настолько, чтобы поверить, что легкость его кисти есть недостаток.

Пленэр VS мастерская

О важности работы с натурой в те годы не твердил только ленивый. Айвазовский же предпочитал с натуры делать мимолетные наброски, а писать в мастерской. «Предпочитал», пожалуй, не совсем то слово, дело не в удобстве, это был его принципиальный выбор. Он считал, что невозможно изобразить с натуры движение стихий, дыхание моря, раскаты грома и сверкание молнии — а именно это его интересовало. Айвазовский обладал феноменальной памятью и своей задачей «на натуре» считал впитывать происходящее. Ощущать и запоминать, для того чтобы, вернувшись в мастерскую, выплеснуть эти ощущения на холст — вот зачем нужна натура. При этом Айвазовский был великолепным копировальщиком. Во время обучения у Максима Воробьева он продемонстрировал это свое умение в полной мере. Но копирование — хоть чьих-то картин, хоть природы — представлялось ему куда меньшим, чем он способен сделать.


Иван Константинович Айвазовский. Бухта Амальфи в 1842 году. Набросок. 1880-е


Иван Константинович Айвазовский. Побережье в Амальфи.

О стремительной работе Айвазовского и о том, что представляли из себя его наброски с натуры, оставил подробные воспоминания художник Илья Остроухов:

«С манерой выполнения художественных работ покойным знаменитым художником-маринистом Айвазовским мне пришлось случайно ознакомиться в 1889 году, во время одной из моих заграничных поездок, в Биаррице. Приблизительно в одно и то же время, в какое я прибыл в Биарриц, приехал туда и Айвазовский. Почтенному художнику было уже тогда, как помнится, лет этак за семьдесят… Узнав, что я хорошо знаком с топографией местности, [он] тотчас же потянул меня на прогулку по океанскому берегу. День был бурный, и Айвазовский, очарованный видом океанского прибоя волн, остановился на пляже…

Не спуская глаз с океана и ландшафта далеких гор, он медленным движением достал свою крохотную записную книжку и нарисовал всего лишь три линии карандашом — очертание далеких гор, линию океана у подошвы этих гор и линию берега от себя. Потом мы пошли с ним дальше. Пройдя около версты, он снова остановился и сделал такой же рисунок из нескольких линий в другом направлении.

— День пасмурный сегодня, — сказал Айвазовский, — и вы мне, пожалуйста, скажите только, где у вас здесь восходит и заходит солнце.

Я указал. Айвазовский поставил в книжке несколько точек и спрятал книжку в карман.

— Теперь пойдемте. Для меня этого достаточно. Завтра я нарисую океанский прибой в Биаррице.

На другой день действительно были написаны три эффектные картины морского прибоя: в Биаррице: утром, в полдень и при закате солнца…»


Иван Константинович Айвазовский. Биарриц. 1889

Солнце Айвазовского, или При чем тут импрессионизм

Армянский художник Мартирос Сарьян заметил, что какую бы грандиозную бурю Айвазовский ни изображал, в верхней части холста всегда сквозь скопление грозовых туч будет пробиваться луч света — иногда явственный, иногда тонкий и едва заметный: «Именно в нем, этом Свете, и заключен смысл всех изображенных Айвазовским бурь».


Иван Константинович Айвазовский. Буря на Северном море. 


Иван Константинович Айвазовский. Лунная ночь. 1849


Иван Константинович Айвазовский. Неаполитанский залив в лунную ночь. 1892


Иван Константинович Айвазовский. Корабль «Императрица Мария» во время шторма. 1892


Иван Константинович Айвазовский. Лунная ночь на Капри. 1841

Если это солнце, то оно осветит самую черную бурю, если лунная дорожка, то заполнит своим мерцанием все полотно. Мы не собираемся называть Айвазовского ни импрессионистом, ни предтечей импрессионизма. Но процитируем слова мецената Алексея Томилова — он критикует картины Айвазовского: «Фигуры пожертвованы до такой степени, что не распознать: на первом плане мужчины это или женщины (…) красуется воздух и вода». Об импрессионистах мы говорим, что главные герои их картин: цвет и свет, одна из основных задач — передача световоздушной массы. В работах Айвазовского на первом месте — свет, и да, совершенно верно, воздух и вода (в его случае это о небе и море). Всё прочее выстраивается вокруг этого главного.

Он стремится не просто правдоподобно изобразить, но передать ощущения: солнце должно сиять так, чтобы хотелось зажмуриться, от ветра зритель съёжится, от волны отпрянет в испуге. Последнее, в частности, проделал Репин, когда Айвазовский внезапно распахнул перед ним дверь комнаты, за которой вставал его «Девятый вал».


Иван Константинович Айвазовский. Девятый вал.

Как смотреть на картины Айвазовского

Художник дал совершенно однозначные рекомендации: следует искать на холсте самую яркую точку, источник света, и, пристально всмотревшись в нее, скользить взглядом по холсту. К примеру, когда его упрекали, что «Лунная ночь» не закончена, от утверждал, что если зритель «обратит главное внимание на луну и постепенно, придерживаясь интересной точки картины, взглянет на прочие части картины мимоходом, и сверх этого, не забывая, что это ночь, которая нас лишает всяких рефлексий, то подобный зритель найдет, что эта картина более окончена, нежели как следует».


Иван Константинович Айвазовский. Лунная ночь в Крыму. Гурзуф, 1839, 101×136.5 см.

Константин Айвазовский не из тех художников, которые теряют вдохновение в процессе и бросают работы неокончеными. Но однажды такое случилось и с ним — он не дописал полотно «Взрыв корабля» (1900). Помешала смерть. Эта неоконченная работа особенно ценна для исследователей его творчества. Она позволяет понять, что художник считал главным на картине, с проработки каких элементов начинал работу. Мы видим, что Айвазовский начал с корабля и пламени взрыва — того, что возьмет зрителя за душу. А детали, по которым зритель будет просто скользить глазами, художник оставил на потом.


Иван Константинович Айвазовский. Взрыв корабля. 1900


Иван Константинович Айвазовский. Лазоревый грот. Неаполь. 1841

Современного зрителя порой обескураживает интенсивный колорит полотен Айвазовского, его яркие, бескомпромиссные краски. Этому есть объяснение. И это вовсе не дурной вкус художника.


Фрагмент картины Ивана Айвазовского «Корабль среди бурного моря» (Эрмитаж).

Сегодня на марины Айвазовского мы смотрим в музеях. Часто это провинциальные галереи, с обветшалым интерьером и без специального освещения, которое заменяется просто светом из окна. Но при жизни Айвазовского его картины висели в богатых гостиных и даже во дворцах. Под лепными потолками, на оклеенных роскошными шпалерами стенах, в свете люстр и канделябров. Вполне возможно, художник заботился о том, чтобы его картины не потерялись на фоне пестрых ковров и мебели с позолотой.

Знатоки говорят, что ночные пейзажи Айвазовского, которые нередко выглядят простовато при скудном естественном освещении или под редкими лампами, оживают, становятся таинственными и благородными, какими их задумывал художник, если смотреть на них при свечах. Особенно те картины, которые Айвазовский при свечах и писал.

Авторы Алена Эсаулова, Наталья Кандаурова.

cameralabs.org

Рекурсия, или картина в картине

Отражение в зеркале с картины Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини»,1435

На некоторых живописных полотнах можно наблюдать довольно любопытный художественный прием, когда изображение повторяется, точнее, повторяет само себя. Этим приемом художники пользуются давно (к слову, он не редкость на картинах эпохи раннего Возрождения), и такое изображение принято называть рекурсивным.
Научный термин рекурсия означает процесс повторения элементов самоподобным образом. Самый простой пример рекурсии – это взаимные отражения поставленных друг напротив друга зеркал.

В искусстве известен эффект Дросте, названый так по рекламе марки какао, где девушка держит в руке пакетик, на котором сама же и нарисована. Этот эффект считается частным случаем техники mise en abyme. По сути, это принцип матрешки – картина в картине. Самое известное произведение, вызвавшее множество толкований и споров, в котором использован это прием – «Портрет черты Арнольфини» Яна ван Эйка (1435). Зрительский взгляд как магнитом притягивает зеркало, висящее за спиной супружеской пары, ведь в нем «спрятана» еще одна картина.
Рекурсивное изображение встречается на картинах многих художников (в том числе и современников ван Эйка). Диего Веласкес использовал прием «картина в картине» в знаменитых «Менинах» и не таких знаменитых «Пряхах». Также им увлекался Сальвадор Дали.
Ян ван Эйк. «Портрет четы Арнольфини»,1435

Диего Веласкес. «Менины», 1656

Диего Веласкес. «Пряхи», ок. 1657

Сальвадор Дали. «Моя жена, обнажённая, смотрит на собственное тело, ставшее лесенкой, тремя позвонками колонны, небом и архитектурой», 1945

artmarshals.livejournal.com

ЗАГАДОЧНЫЕ КАРТИНЫ: ДВОЕВЗОРЫ И ТРОЕВЗОРЫ

В статье о необычных картинах со спрятанными изображениями (см. «Наука и жизнь» №№ 2, 3, 2005 г.) речь шла о произведениях, в которых кроме основного сюжета присутствует еще один — скрытый. Он проявляется, когда приближаешься к картине, удаляешься от нее или смотришь под определенным углом. Теперь вы узнаете о самых правдивых картинах, которые тем не менее называются «обманками», о призрачных силуэтах, «двоевзорах», «троевзорах», а также о редком виде икон.

Г. Теплов. Натюрморт-обманка. 1737 год. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

П. Дрождин. «Портрет художника А. П. Антропова с сыном перед портретом жены». 1776 год. Русский музей, Санкт-Петербург.

Р. Магритт. «Удел человеческий». 1933 год. Национальная художественная галерея, Вашингтон.

Неизвестный художник. «Лилии Франции» (шесть силуэтов семьи Бурбонов). 1815 год.

О. Каню. «Капрал фиалок (силуэты Бонапарта, его жены и сына)». 1815 год. В названии картины содержится напоминание о том, что Наполеон начинал воинскую службу в чине капрала.

С. Дель-Прете. «Тайна между осенними листьями». 1991 год. Галерея в Берне, Швейцария.

В. Брегеда. «Пророчество». 1994 год.

Н. Замятина. «Сны о Греции». 2004 год.

Слова-«двоевзоры»: акулы — жулье, журчи — не урчи, мир — МГУ, прочен — точен. Авторы — Ольга и Сергей Федины.

Почтовая открытка. «Моя жена и моя теща». Начало ХХ века. Россия.

Я. Ботвиник. «Мой муж и мой тесть». Первая половина ХХ века. США.

Г. Фишер. «Мама, папа и дочь». 1968 год. США.

С. Орлов. «Роза для двоих». 2004 год. Москва.

С. Дали. «Исчезающий бюст Вольтера». 1940 год. Музей Дали, С.-Петербург, США.

Две картины Сальвадора Дали: слева — «Голова женщины в виде битвы». 1936 год; справа — «Испания». 1938 год.

В. Коваль. «Kovalland (автопортрет художника)». 1994 год.

Тройственная икона «Деисусный чин». XIX век. Россия.

Наука и жизнь // Иллюстрации

Икона с ликами Иисуса и Марии Магдалены. Первая половина XVII века. Мелхейм, Германия.

Портрет Александра III с женой и сыном. Конец XIX века. Церковный музей при храме Святителя Митрофана Воронежского, Москва.

Габриель фон Макс. «Платок святой Вероники» . 1870-е годы. Германия.

«Спас Нерукотворный «. Фотография 1970-х годов с картины неизвестного художника, Россия.

ПРАВДИВЫЕ ОБМАНКИ

Поспорили два художника — Зевксис и Паррасий: кто из них лучше. Зевксис нарисовал виноградную гроздь и поставил картину возле открытого окна. Пролетавшие мимо птицы увидели виноград, сели и попытались клевать нарисованные ягоды. Пришла очередь Паррасия. «Ну и где твоя работа?» — «Там, за занавеской». Зевксис подошел к занавеске и попытался ее отдернуть. А она оказалась нарисованной. Легенда родилась в Древней Греции, примерно за 500 лет до нашей эры.

Она более правдива, чем может показаться на первый взгляд. Дело в том, что многие птицы не обладают стереоскопическим зрением, поскольку глаза у них расположены по обе стороны головы. То, что видит один глаз, не видит другой. Из-за отсутствия общего поля обзора мозг не может сформировать объемное изображение. И опытные охотники знают, что примитивная, не раскрашенная модель уточки привлекает летящего селезня не хуже живой подсадной птицы.

Для нас в греческой легенде важно то, что картина обманула не птиц, а глаз мастера-живописца. У русского художника XIX века Федора Толстого есть картины, перекликающиеся с сюжетом древнегреческой легенды. На одной из них — натюрморт, «прикрытый» листом кальки. Один ее угол загнут. И эта часть натюрморта выглядит столь достоверной, что невольно испытываешь желание сдвинуть кальку ниже, чтобы увидеть изображение полностью. Картины этого типа получили название «обманки», хотя речь идет едва ли не о самом правдивом из всех жанров живописи.

Появление такого рода картин стало возможным только после изобретения перспективы, светотеней и… масляных красок. Рецепты их приготовления встречаются еще в книгах XIII века. Но лишь в начале XV века голландский художник Ян ван Эйк (1390-1441) настолько улучшил технологию приготовления красок, что его нередко называют изобретателем техники живописи маслом. Он первым по-новому применил ее, накладывая тонкие прозрачные слои красок один поверх другого, достигая исключительной глубины и богатства цвета, а также тонкости светотеневых и цветовых переходов. После Яна вана Эйка художники получили возможность добиваться такого изображения, которое нетрудно было спутать с оригиналом.

Родоначальник жанра обманок в России — Григорий Теплов, художник, поэт, музыкант, философ, государственный деятель XVIII века. Одна из его работ — на предыдущей странице. Жаль, что репродукции обманок в журналах и книгах неспособны передать ощущение, которое появляется при взгляде на оригинал. Кстати, поэтому обманки редко увидишь в книгах по искусству. В значительной степени это объясняется разницей в размерах картины и ее печатной репродукции, а также тем, что нужный эффект обычно возникает в зависимости от расстояния между изображением и зрителем.

Существует еще один вид обманок. В Русском музее в Петербурге, например, есть картина Петра Дрождина, художника XVIII века. На ней автор изобразил семью своего учителя художника Антропова. Присмотревшись, замечаешь, что отец и сын стоят рядом не с женой и матерью, а с ее портретом. Край мольберта, сначала казавшийся светлым проемом в стене, отделяет стоящих от изображения.

Бельгийский художник XX века Рене Магритт тоже использовал прием с «мольбертами». Края их почти не видны, и рисунки незаметно переходят в основной сюжет картины, сливаясь с ним. На одном пейзаже — лес, начинаясь за окном, продолжается на нарисованном мольберте, на другом — море с мольберта перетекает в «реальное» море.

Магритт — мастер картин-парадоксов. На одном холсте он соединял предметы и явления, несовместимые в жизни; например, дневное небо и дом, погруженный в ночную тьму, или человек, смотрящий в зеркало перед собой, видит в нем лишь собственный затылок. Принцип парадоксальности он использовал и в названиях полотен. Когда, по собственному признанию художника, ему не хватало фантазии, он собирал друзей и просил помочь в поиске названия. Пейзаж с мольбертом, например, носит название «Удел человеческий».

ПРИЗРАЧНЫЕ СИЛУЭТЫ

Существует особый прием для создания скрытого изображения: когда художники используют контуры нарисованных предметов. Впервые картины со «спрятанными силуэтами» появились, видимо, в средневековой Франции. Главными их героями стали, разумеется, короли. О том, что лилия — символ династии Бурбонов, нам хорошо известно уже хотя бы по костюмам главных героев из кинофильмов, снятых по роману Александра Дюма «Три мушкетера». Двести лет назад, рисуя букеты королевских лилий, художники превращали изгибы стеблей, контуры листьев и лепестки в человеческие лица. Когда угадываешь секрет, букет превращается в портрет королевской семьи. После того как династию Бурбонов свергли, художники стали рисовать императора Наполеона с женой и сыном. Но Джозефина любила фиалки, поэтому они пришли на смену лилиям.

За прошедшие столетия художники, конечно, расширили тематику подобных работ. Один из примеров — картина, на которой вы сначала видите несколько сухих листьев, летящих в воздухе. А еще на холсте нарисован клочок бумаги с надписью на французском: «Сновидение, уносимое ветром и временем». Обычно художники не пишут на лицевой стороне картины ее названия. Здесь в левом нижнем углу холста написано по-немецки: «Тайна между осенними листьями». Это не только название картины, но и ключ, раскрывающий замысел художника — Сандро Дель-Прете. Его имя сегодня известно во всем мире. А начинал он как любитель (сообщаю это специально для участников конкурса загадочных картин). В молодости Дель-Прете учился рисованию всего шесть месяцев, до 44 лет не считал себя профессиональным художником и работал в страховой компании в родном швейцарском городе Берн, где живет до сих пор.

На картине художника из Таганрога Виктора Брегеды, которого тоже привлек этот прием, коленопреклоненные фигуры склонились в молитве на фоне пустынного горного пейзажа. Это лишь часть сюжета, которую видишь сразу, но название — «Пророчество» — подсказывает, что главное содержание не столь очевидно и еще не раскрыто. Невидимые в первый момент, на картине присутствуют те, перед кем склонились паломники: Бог-отец, Бог-сын и крылатый всадник — ангел, спустившийся с небес.

Картина москвички Натальи Замятиной «Сны о Греции» выглядит как обычный натюрморт с фарфоровой вазой и фруктами. Кажется, что название не вполне соответствует изображению. Но присмотритесь внимательно к драпировке. Что прячут (или выявляют) складки ткани и контуры вазы?

ДВОЕВЗОРЫ

Термин, давший название разделу статьи, придумал писатель и автор многих публикаций в журнале «Наука и жизнь» Сергей Федин. Двоевзорами он назвал тексты, которые можно читать двумя способами. Возьмем для примера слово «акулы». Первые две буквы «ак» можно написать и как одну букву «ж». А «ы» легко изобразить похожей на «ье». Оставим без изменений буквы в середине и получим слово, которое легко прочитать двумя способами: «акулы» и «жулье». Несколько примеров подобных надписей здесь приводятся.

Слово «двоевзоры» соответствует английскому «ambigram» — двойственный. О словесных двоевзорах здесь рассказано потому, что на их примере легче уяснить восприятие двойственных изображений и в живописи.

Что мы ищем, двигаясь взглядом по линиям двоевзора? Какую-нибудь знакомую букву. В картинах происходит то же самое. Мозг ищет знакомые образы, уже имеющиеся в памяти, которая совершенно непохожа на хранилище фотографических снимков. Память — своего рода «шифратор», улавливающий свойства изображения, например наличие прямых и изогнутых участков линий, границ смены яркости, цвета и тому подобное.

Разглядывая двоевзоры более пристально, мы находим буквы, которые не заметили первоначально, и складываем из них второе слово. То же самое происходит и со скрытым изображением.

Пока еще никто не придумал слово «трое-взоры», то есть изображение трех слов разных значений в одной записи. Если вам это удастся, обязательно пришлите свое произведение на конкурс загадочных картин. А вот живописные троевзоры уже созданы, и о них мы сейчас расскажем.

ДВУЛИКАЯ И ТРЕХЛИКАЯ ЖИВОПИСЬ

В предыдущем номере журнала в статье «Невидимое-видимое» вы встречали изображение женской головки, которая выглядит то молодой, то старой в зависимости от положения картины. Теперь познакомимся с портретом, который не нужно переворачивать. На вопрос: «Молодая или старая женщина на нем изображена?» — разные люди дают противоположные ответы. Одни говорят — девушка, другие — старуха. Картинка давно стала классической. Но тем, кто видит ее впервые, каждый раз приходится объяснять, как разглядеть второе изображение: «Глаз дамы — это ушко девушки, а нос — овал молодого лица». Как утверждают физиологи, зритель, рассматривая портрет, наибольшее внимание уделяет глазам и носу. Поэтому первое впечатление обычно зависит от того, на какую часть картины упал ваш взгляд в первое мгновение. После небольшой тренировки можно научиться заказывать себе, кого вы хотите увидеть.

По числу публикаций в книгах и журналах сюжет с молодой и старой женщиной далеко опережает все остальные иллюзионные картинки. Автором ее иногда называют американского карикатуриста У. Хилла, опубликовавшего работу в 1915 году в журнале «Пак» (в переводе на русский «Puck» — эльф, сказочный дух). Иногда изображение приписывают психиатру Е. Борингу, который использовал портрет в 1930-х годах как иллюстрацию к своим работам. В ученой среде «Двух дам» и сегодня называют «Boring figure». На самом деле еще в первые годы XX века в России выпустили в обращение открытку с такой же картинкой и надписью: «Моя жена и моя теща». Прототипом для нее послужила немецкая почтовая карточка 1880 года (автор неизвестен).

Картинка с двумя дамами регулярно воспроизводится в книгах по психологии. Но до сих пор во многом остается неизвестным, как ум человека воспринимает двойственные изображения. Художники всего лишь продолжают развивать уже известный прием. В первой половине XX века появился аналогичный портрет пожилого и молодого мужчины. Затем, в 1968 году, художник Г. Фишер сделал новую прическу обеим дамам и получил третье действующее лицо. Практически он добавил всего один элемент, и картина стала называться «Мама, папа и дочь». Женские волосы превратились в профиль мужчины, благодаря чему на портрете оказались три человека.

На современной картине московского художника Сергея Орлова (см. стр. 132) присутствуют не только два разных лица, но и две женские фигуры, принадлежащие одновременно и девушке и старухе. Пожилая леди смотрит на цветок, который она держит в руке. Молодая — сидит к нам спиной, поправляя прическу и повернув голову влево.

Работы Сергея Орлова, Виктора Брегеды и других художников, работающих в этой манере, можно увидеть в Интернете. Существует специальный проект «Двойственности» http://hiero.ru/project/Dubl сайта «Иероглиф», где авторы выставляют работы для обсуждения.

Ни одна книга об иллюзорных картинах не обходится без рассказа о творчестве испанца Сальвадора Дали. Через 300 лет после Арчимбольдо он возродил направление иллюзорных картин.

На первой картине зритель видит двух богато одетых женщин. Человек в чалме вводит их в галерею. Эту сцену художник преобразует во второй сюжет. Из арки галереи формируется контур человеческой головы — изображение скульп-турного портрета французско го философа Вольтера работы Гудона.

Сюжет с Вольтером встречается в работах Дали неоднократно. Дважды он использовал и сюжет картины «Голова женщины в виде битвы» (вверху слева), где фигуры скачущих всадников и мечущихся по желтому полю людей складываются в лицо женщины. Но затем «Голова женщины в виде битвы» вошла как деталь другого полотна: «Испания». Факт этот свидетельствует о том, как трудно найти новое, оригинальное решение для двуликой картины.

Если бы я стал устроителем выставки лучших двойственных картин, то по соседству с работами Дали разместил бы картины современного волгоградского художника Владислава Коваля. И непременно — «Сталинградскую мадонну», в которой образ женщины с младенцем на руках сплетен из ветвей березы. В полотне «Списание на берег» виднеющиеся на горизонте далекие прибрежные утесы превращаются в одинокую, поникшую фигуру моряка. В картине «Икар» ее герой виден то летящим, то павшим. На следующем полотне замерзающий, закутанный в плащ-палатку солдат превращается в мадонну с ребенком. В работе «Пирамида» В. Коваль впервые в истории искусства соединил несколько двойственных изображений в целостное художественное произведение. Причем использовал почти все живописные приемы, о которых я рассказал. Тут и построение новых образов из деталей пейзажа, и картины, содержание которых зависит от угла зрения или расстояния. Сегодня Коваль — один из самых известных художников России. У его известности любопытное начало. Во время учебы в Москве он посылал письма родным в Волгоград и на конвертах марки не наклеивал, а рисовал. Все отправленные письма дошли до адресатов без доплаты. Когда министерство печати объявило конкурс среди художников, студент Владислав Коваль принес организаторам пачку конвертов. И стал победителем, самым молодым среди участников.

НЕОБЫЧНЫЕ ИКОНЫ

Примеры загадочных картин встречаются даже в таком строгом и каноническом виде искусства, как иконы. В Музей древнерусского искусства в Москве однажды принесли икону «Иисус в темнице». На лицевой ее части изображен Иисус с оковами на ногах, а вокруг — орудия Страстей, то есть пыток. Возле каждого указано название. Исходя из особенностей написания слов, искусствоведы определили, что автор старообрядец. Необычность иконы состояла в том, что изображение пересекали узкие вертикальные полоски. Было высказано предположение, что это следы от решетки, закрывавшей когда-то образ Христа. Однако разгадка темных полос оказалась гораздо интереснее, и принадлежит она руководителю иконописной мастерской «Канон», искусствоведу и художнику Александру Ренжину.

Оказывается, икона когда-то содержала не одно, а три изображения. Полосы — не что иное, как следы от вертикальных пластинок, которые крепились к раме (окладу) иконы. Они вплотную прилегали к ее поверхности и поэтому оставили следы. На обеих сторонах каждой пластинки были нарисованы (принято говорить — написаны) части еще двух икон. Стоя напротив иконы, вы могли видеть один образ, передвинувшись влево — другой, вправо — третий. Пластины иконы были утрачены, но Ренжину удалось найти точно такую же целую икону. Выяснилось, что на 12 пластинках с двух сторон написаны части образов Богоматери и Иоанна Предтечи. Когда смотришь на икону сбоку, части изображения складываются в единое целое.

В запасниках Музея истории религий в Санкт-Петербурге хранятся иконы подобного типа, но с другим сюжетом. На одной из них на переднем плане — голубь, символ Святого Духа. Но стоит отойти вправо, как появится образ Бога-отца, влево — лик Бога-сына. Современному зрителю, избалованному световыми эффектами, трудно представить силу впечатления тройственных икон на верующих прошлых веков, да еще в сумерках церкви, освещенной лишь свечами. Кроме того, в XX веке подобный прием использовали в рекламе, и поэтому он утратил свою необычность.

Существуют иконы, поверхность которых не плоская, а профильная, с вертикальными канавками треугольного сечения. На одной стороне каждой канавки написан образ, видный слева, а на другой — видный справа. Когда смотришь спереди, то видишь «смесь» двух изображений. Поэтому в церкви перед такой иконой ставили большой подсвечник, чтобы ее было видно только с двух боковых сторон.

При храме святителя Митрофана Воронежского в Москве на 2-й Хуторской улице есть церковный музей. Там среди других интересных экспонатов можно увидеть тройственное изображение. Это не икона, а портрет царской семьи. Стоя напротив портрета, вы видите императора Александра III. Отойдете вправо — возникает образ императрицы Марии Федоровны. Зрители, стоящие слева, видят юного наследника, будущего императора Николая II. Любопытная особенность изображения помогла установить время его создания. На правом виске Николая видно кровавое пятно. Это след японского меча. В 1890-1891 годах наследник совершил кругосветное путешествие, и в Японии на него было совершено покушение. Японский полицейский ударил Николая мечом, но юный наследник отклонился и получил лишь незначительное ранение. Второй раз нападавший ударить не успел, его сбили с ног, но не хозяева, принимавшие высокого гостя, а сопровождавший Николая греческий королевич Георг.

ЛЕГЕНДА О СВЯТОЙ ВЕРОНИКЕ

В 1879 году в Петербурге проходила выставка немецких художников. Один из них, Габриель фон Макс, представил картину «Платок Святой Вероники» с изображением прибитого гвоздями к стене куска грубого холста с лицом Христа в центре. Необычность картины состояла в том, что зрители могли видеть глаза Спасителя то закрытыми, то открытыми. Газеты того времени писали, что устроителям пришлось поставить стулья в зале, так как некоторые дамы падали в обморок, восклицая: «Смотрит! Смотрит!»

Разумеется, загадочная картина привлекла внимание столичных художников, которые пытались разгадать секрет, а художник Иван Крамской написал о ней статью для журнала «Новое время», где раскрыл прием, с помощью которого немецкий автор добивался нужного эффекта.

Легенда о святой Веронике распространилась по Европе в Средние века. Позже она стала официальным церковным Преданием, то есть была признана такой же истинной, как записанные в Евангелии. Когда Иисуса Христа вели на гору Голгофу, чтобы там распять, некая сердобольная женщина по имени Вероника платком отерла с его лица пот, застилавший глаза. При этом на платке чудесным образом отпечатался лик Спасителя в терновом венце. Предание легло в основу православной иконы «Спас Нерукотворный». Нам, неспециалистам, проще всего узнать эту икону по изображению платка, на котором написан лик Иисуса, хотя сам платок (чаще говорят «плат») рисуют по-разному и достаточно условно. У западных христиан подобное изображение называется «Платок святой Вероники».

От знатока русского искусства священника Валентина Дронова услышал я историю, которую привожу здесь дословно: «Два или три раза в жизни приходилось мне видеть икону «Спас Нерукотворный», являвшую чудесное свойство. Глаза Иисуса на ней казались то открытыми, то закрытыми. Это зависело от душевного состояния молящегося. Если он был спокоен — Спаситель как будто спал. Если же находился в волнении — глаза открывались». Дома у отца Валентина хранилась фотография этого изображения, которая здесь приводится.

Мне пока не удалось найти что-либо подобное в наших музеях. В путеводителе по Вифлеему — городу, где, по преданию, родился Христос, сказано, что одна из фресок на колонне в храме Рождества обладает таким же свойством: «лик на иконе открывает и закрывает очи».

Икона, о которой рассказано, встречается очень редко, поэтому важны любые свидетельства людей, видевших или хотя бы слышавших о подобных изображениях. Просим читателей обязательно сообщить об этом в редакцию журнала.

www.nkj.ru

11 современных художников, которые восхищают нас своими масляными картинами

Европейские художники начали использовать масляную краску в XV веке, и с тех самых пор именно с ее помощью создавались самые знаменитые картины всех времен. Но и в наши высокотехнологичные дни масло по-прежнему сохраняет очарование и загадку, а художники продолжают изобретать новые техники, разрывая шаблоны и раздвигая границы современного искусства.

Объемные пейзажи Юстины Копаня

Обладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копаня (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.

Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.

Теплая простота Валентина Губарева

Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.

Чувственный реализм Сергея Маршенникова

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья.

Близорукий мир Филипа Барлоу

В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.

Солнечные зайчики Лорана Парселье

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Динамика города в работах Джереми Манна

Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен — все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», — говорит художник.

Иллюзорный мир Нила Саймона

На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг — это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», — говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.

Любовная драма Жозефа Лорассо

Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.

Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина

Дмитрий Лёвин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.

Яркий восток Валерия Блохина

На Востоке все иначе: другие краски, другой воздух, другие жизненные ценности и реальность сказочнее вымысла — так считает современный художник Валерий Блохин. В живописи Валерий больше всего любит цвет. Его работа — это всегда эксперимент: он идет не от фигуры, как большинство художников, а от цветового пятна. У Блохина своя особая техника: сначала он наносит на полотно абстрактные пятна, а затем дорисовывает реальность.

Экспрессивная романтика Алексея Чернигина

На большинстве картин Алексея Чернигина маслом на холсте запечатлены красота, романтика и мгновения истинных чувств. Свой талант и тягу к искусству Алексей Чернигин унаследовал от отца — известного российского художника Александра Чернигина. Ежегодно они устраивают совместную выставку в своем родном Нижнем Новгороде.

cameralabs.org

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о